It Means It Means! — Curated by Tom Morton — Galerie Emmanuel Perrotin — Exposition — Slash Paris

Passé : 22 juin → 27 juillet 2013

La Galerie Perrotin présente It Means It Means!, une exposition de Charles Avery.

It Means It Means! est « le dessin d’une exposition collective » présentée simultanément dans deux espaces, dans sa version fictive et dans sa version réelle. Le premier espace est celui du Musée d’Art de l’Onomatopoeia de « l’Île », royaume fictif qui forme la toile de fond des recherches artistiques et philosophiques de Charles Avery depuis 2005. Le second espace est celui de la Galerie Perrotin à Paris.

Les plans du Musée de l’Ile ont été confiés au curateur Tom Morton, qui a conçu pour celui-ci une exposition de vraies œuvres de vrais artistes d’Antoine Watteau à Tino Sehgal, que l’on ne peut observer qu’à travers une série de grands dessins réalisés par Charles Avery et présentés à la Galerie Perrotin. Illustration de ce qu’André Malraux appelait un « Musée Imaginaire », It Means It Means! examine aussi ce qui fonde le lieu de production artistique et curatorial, ainsi que la relation entre l’artiste et le curateur. Si l’exposition contient l’œuvre, l’œuvre pourrait-elle aussi contenir l’exposition ? Une « exposition collective dessinée » ne nécessite pas de feuilles de prêt, de contrat de transport, ou d’équipes de régisseurs, seule une liste d’œuvres, fourni par le curateur et le travail de dessinateur de Charles Avery. Libérée des contraintes budgétaires, l’exposition permet de réunir n’importe quelle œuvre où qu’elle soit conservée dans le monde « réel » (par exemple on peut comparer le prix d’acheminement d’une grande sculpture en bronze à travers l’océan, au crayon sur le papier). La géographie de cette exposition dans un musée fictionnel, dans la capitale d’un territioire fictif, autorise également plus de libertés, parmis lesquelles, peut-être l’abandon de certaines pratiques curatoriales orthodoxes. Découvrir les dessins à la galerie, consiste à explorer l’exposition, des œuvres composées d’œuvres. Ici, le réel se déplace vers la fiction et la fiction vers le réel.

Le titre de l’exposition offre une réponse à la question que l’on pose souvent aux œuvres inconnues : « Mais qu’est-ce que cela signifie ? ». Affirmer « Cela signifie que cela signifie ! », souligne le principe fondamental de l’art, à savoir qu’il « signifie » avant de « dénoter X » ou de « connoter Y ». Peut-être faut-il que des œuvres de notre monde voyagent dans un autre pays pour que se révèle cette propriété. « It Means It Means! » représente, après tout, une vitrine d’objets exotiques, une introduction radicale à l’art étranger fait d’après des Lumières bien étrangères. Est-ce que les Habitants de l’Île appréhendent ces œuvres comme nous ou les envisagent-ils dans un sens différent ? Et qu’expose le Musée d’Onomatopoeia lorsqu’il ne s’amuse pas à accueillir un art exécuté loin de ses côtes ? « It Means It Means! » présente de nombreuses œuvres tirées de « notre » histoire de l’art, qui parlent de l’iconographie et des préoccupations conceptuelles du projet des Habitants de l’Île. Aussi le public se trouve-t-il confronté à des vagues, des nuages et de l’air (Celmins, Lozano, Riley, Constable, Stieglitz, Art & Language, Hiorns); des cercles et des sphères (Ray, Lichtenstein, Hesse, Hammons) ; des carrés et des cubes (Malevitch, LeWitt, Morris) ; à des couples d’amoureux et d’adversaires (Abramovic & Ulay, Gonzalez-Torres, Watteau, Duchamp, Beuys, Sturtevant), à des jeux de logique numérique et linguistique (Polke, Sehgal, Parreno); et à plusieurs exemples de « chiens en art » (Balla, Bourgeois, Goya, Koons), et au monumental « Single Form » (1961-1964) de Barbara Hepworth temporairement « délocalisé » de la place des Nations unies à New York. Sa présence dans la ville d’Onomatopoeia peut être perçue comme un signe d’entente entre notre monde et l’Île, entre le réel et le fictif.

Exposition organisée dans le cadre de la saison Nouvelles Vagues du Palais de Tokyo avec le soutien du Comité professionnel des galeries d’art.