Jeff Koons — Popeye Sculpture — Galerie Jérôme de Noirmont — Exposition — Slash Paris

Passé : 16 septembre → 20 novembre 2010

En 1997, la Galerie organisait la toute première exposition personnelle de Jeff Koons en France, avec une sélection d’œuvres qui offrait au public français une vision d’ensemble de son travail, des premiers Inflatables (gonflables) de 1979 jusqu’à Puppy, tableau de 1992 qui figure l’immense sculpture éponyme en fleurs créée la même année pour la Documenta de Kassel.

En 2008, l’exposition Jeff Koons Versailles engageait un dialogue inédit entre art contemporain et art ancien au sein même des appartements royaux du Château de Versailles, confrontant quelques-unes des sculptures les plus symboliques de l’artiste, récentes ou anciennes, aux joyaux de l’art français du XVIIIe siècle. Souhaitant donner un sens profond et interactif au face à face entre ces expressions artistiques très différentes et conscient de s’adresser au très large public des visiteurs du Château, habituellement peu ou pas du tout initié aux codes de l’art contemporain, Jeff Koons fût très attentif au choix et à l’accrochage de ses œuvres en fonction du décor et de la destination initiale des pièces du Château : son séduisant Rabbit dans le Salon de l’Abondance, Bear and Policeman dans le Salon de la Guerre, la brillante Moon dans la Galerie des Glaces…

Aujourd’hui, pour sa troisième exposition personnelle en France, seront présentées les dernières sculptures issues de la série Popeye.

Les créations de Jeff Koons, même si elles multiplient les références à l’Histoire de l’Art, de Fragonard à Dali, en passant par Picasso et Duchamp, reposent avant tout sur leur rapport au spectateur, sur la volonté de l’artiste de s’adresser à tout type de spectateur qu’elle que soit son origine sociale ou culturelle, et de le mettre en confiance. Jeff Koons souligne lui-même qu’il est « très conscient du spectateur car c’est là où se situe l’art. Ce qui importe n’est pas l’objet que nous regardons ; cet objet communique l’information avec laquelle vous voulez que le spectateur dialogue. (..) Ce qui m’intéresse c’est de faire savoir au spectateur que c’est lui qui importe. »

Pour donner corps à ce discours qui réintroduit une dimension subjective dans l’œuvre, Koons utilise un langage visuel que tout le monde peut comprendre, usant d’archétypes populaires (fleurs, jouets, alliances, cœurs…), qui sont autant d’images primordiales emmagasinées dans l’inconscient collectif. L’artiste renforce le pouvoir métaphorique de ces archétypes soit en leur conférant une nouvelle réalité par l’utilisation de matériaux brillants et réfléchissants en surface de ses œuvres comme dans la série Celebration ou en maximisant leur réalisme, pour que le spectateur puisse avoir une confiance véritable dans le discours suggéré par l’œuvre.

L’image de Popeye, figure iconique du dessin animé américain née en 1929, s’est ainsi imposée naturellement à l’artiste comme un symbole d’auto-acceptation, symbole incarné à la fois par l’identité du personnage, optimiste et s’acceptant tel qu’il est, mais aussi par les mouvements artistiques historiques qu’il évoque, dans un rapport évident au Pop Art et plus allusif avec le Surréalisme, deux mouvements qui reposaient sur l’acceptation de l’environnement dans lequel on vit.

L’idée de la série, débutée en 2002, est née de la vision d’un arbre vivant qui poussait au travers d’un grillage, image qui suggéra à Koons la confrontation d’un objet « vivant », en général un jouet de piscine figurant un animal en plastique gonflable, avec un « ready-made », simple objet utilitaire comme une chaise, un escabeau ou une poubelle en métal… Créées ainsi avec des éléments hétérogènes, telles des œuvres surréalistes, les sculptures de la série Popeye sont des œuvres composites, des rencontres improbables entre jouets gonflables et objets inertes, entre ces articles de loisir symbolisant le désir dans notre société de consommation et des objets nécessaires, issus d’une production industrielle.