Peintures de Rabindranath Tagore — La dernière moisson — Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris — Exposition — Slash Paris

Passé : 27 janvier → 11 mars 2012

Organisée dans le cadre du 150ème anniversaire de la naissance de Rabindranath Tagore, cette exposition est constituée de 98 peintures et dessins sur papier datés de 1928 à 1939 prêtés par la Galerie nationale d’art moderne de New Delhi et le musée de l’Université Visva Bharati de Santiniketan. D’abord présentée au Musée d’art asiatique de Berlin puis au Musée Jan van der Togt à Amstelveen, près d’Amsterdam, elle sera accueillie, après le Petit Palais, par la Galerie nationale d’art moderne et contemporain de Rome.

Son activité de peintre ne s’étant déroulée que sur une assez courte durée, il est assez difficile d’y distinguer des périodes bien délimitées. Ce sont donc davantage les thèmes qu’il a traités que la chronologie qui ont guidés la présentation. La compréhension de son œuvre plastique doit aussi se fonder sur la façon très particulière et très tardive dont elle apparut sur son chemin de créateur, déjà maître des mots mais aussi de la musique. Tagore fait partie du petit nombre d’écrivains qui, comme Victor Hugo, ont ressenti la nécessité de produire des images sans mot.

Née des rêveries graphiques que suggèrent les ratures sur ses manuscrits, libre de tout apprentissage technique, sa peinture se caractérise surtout par sa spontanéité. Si Tagore en a parlé en des termes qui pouvaient s’appliquer à la peinture abstraite (rythme, combinaison de lignes et de couleurs) elle n’en donne pas moins à voir que des sujets toujours identifiables. Mais aucun d’eux n’est une représentation d’une exactitude observée directement. Sa peinture évoque la réalité plus qu’elle ne la représente. Trois grands domaines sont abordés : la figure humaine, les animaux et le monde végétal (fleurs et paysages).

Il a plusieurs façons de traiter le premier de ces domaines : puissantes compositions quasi cubistes de personnages tout en lignes géométriques dans les années 1928-1930, personnages réunis dans des scènes d’autant plus mystérieuses qu’il s’est bien gardé de leur donner des titres, visages très nombreux représentés parfois de façon très réaliste, mais qui ne peuvent être considérés comme des portraits. Ils sont exécutés selon une grande variété de techniques allant de la peinture au dessin.

Les animaux qui sortent de sa plume ou de son pinceau représentent des variantes ornementales d’animaux réels. L’éléphant dressé, aux lignes droites très dynamiques, est une image frappante. Les oiseaux, au contraire, sont traités tout en courbes et dans une grande subtilité de couleurs.

Les paysages, plutôt sombres et envahis d’arbres, ont quelque chose d’occidental dans leur composition. On ne les retrouve pas dans ses romans où le ciel et les grands espaces sont ce qu’on en retient.

Nous touchons là à la complexité et à la richesse de l’art pictural de Tagore qui, dans une part de son œuvre conserve de l’art indien la sinuosité de la ligne, le raffinement de la couleur et le caractère fantastique et dans une autre part (dans certains visages, dans ses paysages et dans le style moderniste de ses compositions géométriques) se montre imprégné de l’art occidental auquel plusieurs voyages en Europe l’avaient sensibilisé.

Quant à son rapport à la modernité, il est intéressant de mentionner un fait peu connu de l’histoire de l’art du XXème siècle : l’organisation à Calcutta, en 1922, d’une exposition du Bauhaus grâce à une professeure autrichienne amie de Johannes Itten, Stella Kramrisch, alors invitée à Santiniketan. Les analystes de l’œuvre plastique de Tagore en ont aussi souvent fait le rapprochement avec l’expressionnisme européen.