Des œuvres qui prennent toute la place — Baraudou Schriqui Galerie — Exposition — Slash Paris

Passé : 16 mai → 15 juin 2013

« On ne peut distinguer les deux fonctions : il s’est développé une structure unique, qui n’est pas un compromis, mais une concomitance et une convergence. »

Gilbert Simondon, Du mode d’existence des objets techniques, 1958

The Space of the Work and the Place of the Object est le titre d’une exposition regroupant Walead Beshty, Melanie Gilligan, Gabriel Kuri, Michael Rakowitz, Blake Rayne, Karin Schneider, Simon Starling et Carey Young. Elle a eu lieu au début de l’année 2009 au Sculpture Center de Long Island et partait du principe selon lequel chaque pièce était la trace d’un processus de création qui s’arrêtait lors de l’ouverture même de l’exposition.

En particulier, les métamorphoses survenant pendant le transport des pièces, marquant la matière des objets présentés, devenaient partie intégrante de la formalisation de l’objet, le transport incarnant le voyage fait par l’œuvre entre l’atelier et la galerie, dans le monde réel.

Le surgissement de l’accident met l’œuvre à la disposition de la destinée de l’objet, ou plus exactement intègre et dissout l’œuvre dans la destinée de l’objet.

L’exposition Des œuvres qui prennent toute la place entend également prendre position sur le rapport entre matérialité et intention, et interroger les conditions selon lesquelles signifiant et signifié correspondent. La perspective choisie prend pour postulat une inextricable filiation entre l’artiste et son travail en mettant en scène la présence de l’artiste à l’œuvre.

Il s’agit d’approcher la notion de « métaphysique de l’objet » : au-delà de l’objectité, de la matière et de sa combinaison en forme(s), réside l’essence d’une œuvre ; la présence au monde d’une œuvre ne se limite pas aux contours de l’objet qui la capture. Au final, l’unité d’une œuvre est autant due à un agencement qu’à un geste d’agencement.

En ce sens, l’œuvre renvoie au symbolon, ce jeton de terre cuite que les deux parties d’un contrat ou d’une alliance se partageaient : pour qu’apparaisse l’œuvre, il faut mettre ensemble ( symbolein ) intention et matière. La moitié présente appelle dès lors la moitié absente.

Si elles renvoient naturellement à la disparition de l’œuvre et interrogent sur ce qui pourrait bien prendre sa place, ces œuvres qui prennent toute la place dévoilent également un déplacement actif des modes d’apparition de l’œuvre. Le vide devient volume. Il s’agit d’éclaircir non pas un mystère (comment l’artiste fait — étant entendu qu’il doit faire) mais ce qu’il perd et ce qu’il transforme, ce qu’il introduit dans l’espace de l’objet, et, finalement, la place que prend l’intention dans le processus créatif.

Loin de se débarrasser de leurs propres interventions par le truchement d’une matière laissée à elle-même, chacun des artistes présentés ici peut situer son travail dans une zone grise entre la résistance de la matière et l’autorité de l’artiste.

L’œuvre peut alors repousser la matière à la marge, y opérer des déplacements (Olivier Sévère), faire miroiter ses ambivalences (Yoeri Guépin et Vincent Deleplanque) : le geste accompli par l’artiste revient à en accentuer la facticité (Morgane Fourey), à rendre manifeste un écart (Martinet et Texereau), ou à tenter en vain de réintégrer les objets créés à un cycle de disparition (Kirill Ukolov).

Le champ lexical de l’illusion d’une matérialité pure, frontale, est également exploité, en tant que processus utilitaire (Xavier Theunis), dont on peut démonter les processus (Marion Robin).

Signal de l’adhérence de l’œuvre à l’objet, les Toons de Frédéric Malette semblent solder la contradiction par leur consubstantialité.