Ultimo and the clusters — Claire Trotignon — Espace d’art contemporain Camille Lambert — Exhibition — Slash Paris

Past: January 13 → February 17, 2018

Claire Trotignon — Espace d’art Camille Lambert, Juvisy Avec Ultimo and The Clusters, le centre d’art Camille Lambert offre une superbe occasion à Claire Trotignon de mettre en scène son ... 2 - Bien Critique

Des dessins de Claire Trotignon surgissent des fragments de gravures anciennes qu’elles amassent pour devenir ensuite matériaux de ses propres créations. L’artiste crée des environnements suspendus et se joue de notre perception entre réel et imaginaire. L’équilibre s’installe entre ses constructions où règnent tension et précision.

Entretien avec Claire Trotignon, novembre 2017

Vous avez recours à différentes techniques (découpage, collage, dessin et même volume). Pourriez-vous nous dire comment vous les articulez entre elles ?

Mes recherches se focalisent sur la notion d’espace. J’aime construire des espaces au sens propre comme au sens figuré. Afin de développer les différents aspects de cette idée j’utilise les codes de l’architecture, du paysage et de la cartographie.
Ces éléments constituent les principales variables de mon processus de création et c’est au fil de l’expérimentation que j’introduis de nouvelles notions. En conséquence, je choisis les techniques qui me semblent les plus adaptées au projet ou à l’idée que je souhaite exprimer. Les compositions sur papier sont issues de prélèvements taillés dans la matière. Les éléments extraits et recomposés sont placés sur le fond blanc et apparaissent comme un objet saisissable, tantôt maquette, tantôt sculpture. Les volumes tridimensionnels sont des formes extrudées, déployées, de l’ordre de la structure où le vide domine. Ils s’appréhendent comme des dessins dans l’espace. Au sein de ma pratique, j’aime que le dessin interroge le volume et inversement, les deux sont intimement liés. L’objectif oscille toujours entre la possibilité de maîtriser l’espace et le fait qu’il nous échappe.

Quel est votre rapport au passé, à l’archéologie, à l’histoire de l’art ou à l’archive ? Êtes-vous collectionneuse ?

Je recherche et collecte continuellement des papiers anciens, gravures, ouvrages… S’il s’agit bien de vestiges, ils proviennent parfois d’un passé plus ou moins lointain et ont une valeur plus ou moins historique !
Les éléments que je collecte sont destinés à être décomposés, déconstruits et reformulés dans un nouvel ensemble, riche sémantiquement car il regroupe des parties qui elles-mêmes recèlent des totalités absentes. En effet, je produis une forme d’archéologie dans laquelle j’introduis des éléments contemporains.
Les variables sont donc nombreuses, sans qu’il n’y ait ni réel début, ni fin. Chaque œuvre débute son parcours avant moi. J’agis en matrice : le processus de déconstruction et le dessin marquent le présent. L’œuvre poursuit son histoire à travers son interprétation. Ma position se situe dans un entre-deux, pour tendre vers une mise en abyme de l’espace.

Dans les espaces que vous imaginez, se créent des tensions entre pleins et vides, plats et volumes, ancien et moderne, construction et chaos… Peut-on parler de jeux d’oppositions dans votre travail ?

J’aime créer des espaces insaisissables, des non-lieux. Face à la représentation d’un espace partiellement figuratif, les paradoxes sont les éléments, les indices qui vont amener au questionnement, à s’interroger sur la véracité du propos, de l’information. Ils renversent notre première perception et remettent en cause nos certitudes. À travers cette large marge blanche récurrente dans mes compositions, la notion de cadrage est directement liée à la question du prélèvement, de la fragmentation du champ du visible : il s’agit de choisir, d’éliminer. La feuille blanche me permet en outre de passer du plan au volume, de la carte à la construction, à l’élévation. L’échelle est troublée et le manque d’attache procure aussi bien un sentiment d’inaccessibilité que de maîtrise. La composition centrale agit comme un dessin dans l’espace, un volume sculptural que l’on pourrait contourner ou saisir. Le vide structure le plein. Les fragments comme le vide sont d’ordre non fini. Et de cette nouvelle entité, qui émerge de la composition, peut naître une dynamique ouverte au choix et à la liberté d’interprétation, de prolongement.

Pourriez-vous nous parler de la signification et de l’origine du titre de l’exposition «Ultimo and the clusters » ?

« Ultimo and the clusters » raisonne à mon oreille comme le nom d’un groupe de musique qui jouerait les partitions éclatées de mes explosions de fragments. Il se rapporte aussi à mon processus artistique qui oscille entre la partie et le tout. « Ultimo » c’est le dernier, l’ultime fragment associé au « cluster », le groupe déjà posé sur le papier. « Ultimo » détermine la fin du processus et le début de l’œuvre.

Vous nous avez indiqué que le titre de « Orion ces hiver » est l’anagramme de la pièce « Version heroic » qui la précède. Développez-vous un système de réponse, d’écho entre vos pièces ? Travaillez-vous par séries ou par citation ?

Je travaille souvent par séries que je ne clôture jamais. J’en ouvre de nouvelles et parfois reviens sur une précédente. Au fur et à mesure, elles se distinguent tout en se nourrissant. Et certaines se font écho. « Version Heroic » est une composition récente que j’aimais particulièrement, alors j’ai décidé d’en réaliser un autre point de vue, un peu différent, en représentant le même lieu quelques mètres plus loin. Cette succession n’est pas si anecdotique, car la création de cet espace a quasiment créé un nouveau territoire.