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Sensibles aux relations et animés par le désir de créer dans le temps long, les trois artistes Emma Bourgin, Léonard Nguyen Van Thé et Julie Genelin, ont été invités par Morgane Prigent, directrice du centre d’art contemporain Camille Lambert, à raviver son histoire. L’exposition qui en découle, intitulée Jardiner les seuils, se déploie comme un cheminement, du jardin aux différentes salles du centre. Les œuvres d’art se répondent, multipliant les clins d’œil au peintre Camille Lambert, à l’origine de la création de l’école qui y est rattachée.

Avec un équilibre subtil entre la mise en scène de la faille personnelle et la capacité à faire forme au gré de rencontres incongrues, Liselor Perez présente, à la galerie sans titre, garde-robe, une très belle première exposition personnelle qui navigue entre les échelles et les dimensions du vrai, les dissensions du rêve.

Autour de l’esprit d’un poème de Donia Al-Amal, rappelant avec une crudité spectrale l’horreur d’une guerre qui se nourrit du cœur de ses victimes, six artistes palestiniens de différentes générations revisitent, à la Galerie du Jour agnès b., les mémoires et les imaginaires d’une vie à nouveau évanouie, inventant chacun la langue de cette réalité.
Les symboles et les métaphores se heurtent aux signes d’un quotidien lui aussi blessé, transformant toute réalité en allégorie de la perte.

Alternant entre différentes périodes de création de l’artiste, l’exposition Kishio Suga chez Mendes Wood offre une rétrospective resserrée dont l’économie et l’élégance rendent hommage à la subtilité de cette figure d’un minimalisme voué à maximiser notre sensibilité au monde, dessinant en son sein des dialogues de matières, d’éléments et de formes qui font, en toute discrétion, événement.

Chez Thaddaeus Ropac, Ariana Papademetropoulos présente, pour sa première exposition à Paris, une plongée tout en retenue au cœur d’un imaginaire bouillonnant où les symboles se superposent au savoir, où la technique sert l’émotion d’un imaginaire capable d’apprivoiser la fantaisie du chaos des sentiments, et passe avec une subtilité inattendue du romantisme new age à une métaphore de l’absurdité de nos conditions, de la complexité baroque de nos canaux de communication.

Regards critiques, impressions sensibles et analyses ; retrouvez nos instantanés d’expositions au sein d’un panorama évolutif vous invitant à découvrir les artistes et les lieux qui rythment la scène artistique.

À la fondation d’entreprise Pernod Ricard, Amie Barouh et Chloé Quenum jouent avec l’écume des rêves, à la lisière des souvenirs, et déploient leurs installations éthérées, aussi différentes qu’étrangement complémentaires. Sous le commissariat d’Élodie Royer, L’argument du rêve explore la réalité du songe comme expérience vécue et contenu de sens capable de relier, dans la fragmentation du monde, des sensibilités diverses.

Rendre les légendes possibles et les histoires personnelles d’autant plus belles qu’elles sont impossibles est une constante chez la jeune artiste Ruoxi Jin qui invente, pour chacun de ses projets, une forme nouvelle de création. À l’occasion de son exposition au Plateau Frac Ile-de-France, elle revient pour nous sur sa pratique.

La Moindre Anomalie, exposition personnelle de Dominique Petitgand présentée à la Maréchalerie de Versailles, est une expérience qui se vit autant qu’elle se visite. En brouillant les frontières entre écoute et regard, entre compréhension et mystère, l’artiste explore et met à l’épreuve notre attention. L’exposition, à voir et surtout à entendre invente une réflexion architecturale qui, pour immatérielle qu’elle est, engage véritablement les sens.

En s’appuyant sur une réflexion stimulante autour de la puissance générative de l’art et sa capacité à créer des éléments d’un ordre nouveau, la Biennale du Whitney 2026 présente une édition actant la déhiérarchisation d’un ordre de valeurs dont l’histoire contemporaine étale chaque jour l’indéniable fragilité. Nous vous proposons un focus sur des figures majeures de cette exposition qui s’annonce essentielle.

À l’Ecole municipale des Beaux-Arts, galerie Édouard-Manet, Louise Mutrel signe une installation à la mesure de son sujet : le tuning des camions dekotora (« decorated truck »), ces véhicules japonais transformés en œuvres roulantes, où le fantasme technologique se mêle au délire mythologique.

Le musée est le lieu de tutelle des oeuvres d’art. Or, contrairement à une idée trop répandue, ceci ne signifie pas que cette fonction essentielle se limite à leur conservation. De fait, il est lieu de réception de tous les possibles élaborés par l’imaginaire à travers les oeuvres et leur mise en valeur.
Raison pour laquelle celui-ci est en constante évolution. Tout en prenant soin de ses précieux trésors, il les intègre dans une réflexion actuelle qui leur donne un supplément nécessaire à leur raison de vivre. C’est ce que le Directeur émérite du Moma, Glenn Lowry, nous démontre magistralement, aux côtés des artistes Kader Attia et Thomas Struth, du conservateur Sébastien Allard et de la Présidente du Louvre, Laurence des Cars.

L’exposition Transparences liquides au Cpif de Pontault-Combault interroge notre relation aux images, aux écrans, à la perception comme expérience nécessitant du temps et un déplacement physique. Les œuvres des artistes sont subtilement installées de manière à nous laisser les découvrir dans leur singularité au fur et à mesure de notre cheminement.

Face à la multiplication des assertions, face à l’invention de ses installations, il pourrait paraître paradoxal que la démarche de Vincenzo Agnetti procède d’un refus. Pourtant, c’est bien par le rejet que s’élabore l’œuvre complexe, riche et d’autant plus sensuel de cette figure majeure des années 1970 en Italie.

Réjouissante, pleine de vie et d’une très haute tenue, l’exposition Tendres Débris réunit à la galerie G-P & N Vallois des générations et des horizons d’artistes autour du rejet, de la récupération de ce qui n’a plus sa place dans une société de consommation systématisée.

Entre abstraction minimaliste et brutalisme des textures, Charisse Pearlina Weston, née en 1988 aux Etats-Unis, développe un langage visuel combinant violence, contondance et transparente fragilité, qui interroge la nature essentielle et la portée historique de la transparence. Exposée cet hiver à la galerie Jack Shainman de New York, elle a également marqué de son empreinte la foire Art Basel Miami, présentée également par Patron Gallery.

Chez Mendes Wood DM, Precious Okoyomon instaure un climat oscillant entre innocence et menace qui met à l’épreuve le cœur et chavire indiciblement les corps. Le décor pastoral se heurte au métal, les créatures jouissent et souffrent à l’envi quand l’environnement lui-même quitte sa fonction de paysage et devient acteur de cette opacité troublante.

L’exposition Claire Tabouret, D’un seul souffle, présentée au Grand Palais du 10 décembre au 15 mars 2026, offre une contreplongée dans le projet de l’artiste pour la recréation d’une partie des vitraux de l’église Notre-Dame de Paris. Face aux exigences d’une telle commande, que reste-t-il de la force d’une artiste que l’audace et la capacité à embrasser des thèmes puissants, en réinventant son regard, ont toujours caractérisée ?

Felicità 2025 réunit en un parcours d’exposition les 24 artistes ayant obtenu en 2025 leur diplôme avec les plus hautes distinctions aux Beaux-Arts de Paris sous le commissariat de Mathieu Kleyebe Abonnenc.

La galerie Air de Paris offre une rétrospective géniale des œuvres de l’artiste G.B. Jones, artiste canadienne figure de la scène queer punk de la fin des années 1980 au début des années 1990.

À la galerie Iragui de Romainville, l’exposition Ivres d’un soleil qui crève la poitrine, consacrée à l’artiste Petr Kirusha et commissariée par Vents Vinbergs, dévoile un ensemble saisissant de peintures et dessins qui embarquent avec générosité le visiteur dans un flot d’émotions et d’inventions réjouissant.

Comme un reflet de sa vie bouleversée, l’exposition d’Orla Barry, Coeur de bergère, à Bétonsalon déploie une constellation de problématiques et d’inventions dont le fil narratif tient, comme chez Shéhérazade, à sa capacité à en faire un conte cruel et beau, où les vies des moutons et de leur bergère se confondent. Un titre en forme d’hommage, selon l’artiste, à la dimension émotionnelle de la pratique de l’élevage : son geste artistique cherche précisément à rendre visibles ces affects tus, ces attachements profonds et souvent invisibles.

Avec l’exposition Umbra, l’espace Nika Project propose une immersion convaincante dans le vocabulaire plastique riche de Nika Neelova, qui, à travers la récupération, la transformation et la réinvention, invente une généalogie du regard qui imprime et teinte de nos vies les objets qui nous entourent.

Deuxième exposition du Lac, Loukoums & Art Contemporain, Collection Jean-Michel Attal, Rien ne va plus affirme non seulement la force et la cohérence de son fonds avec une liste d’artistes aussi prestigieuse que pointue mais aussi la vigueur du regard qui la porte aujourd’hui dans une volonté assumée d’engager un dialogue percutant et fertile avec le monde dans lequel elle s’inscrit.

Depuis sa création en 2000, le Prix Marcel Duchamp met en lumière les artistes les plus marquants de la scène française et internationale. Vingt-cinq années d’expérimentations, de manifestes visuels et d’engagements esthétiques composent une constellation unique, faite de gestes radicaux, de poésie formelle et d’exigence conceptuelle.

Avec Artothèques en ruralités, le Centre national des arts plastiques (Cnap) pilote un projet d’envergure inédit visant à faire rayonner la création plastique sur tout le territoire, avec la commande, la production et la diffusion de multiples inédits d’artistes contemporains, faisant la part belle à une génération d’artistes en milieu de carrière – une attention à saluer.

Depuis 2014, le Frieze Artist Award, lancé pour promouvoir des artistes émergents ou en milieu de carrière, offre à chaque lauréat·e la possibilité de concevoir une œuvre originale in situ et ambitieuse, présentée pendant la foire.

The work of Monia Ben Hamouda, born in 1991 in Milan and of Italian-Tunisian origin, is rooted in a reflection on family heritage and ancestral memory, seeking to crystallize these dynamics within a singular formalism.

Exilé de son pays natal, l’artiste russe Anatoly Osmolovsky présente à la galerie Robert Vallois une exposition où la beauté devient un terrain piégé et où le danger gronde derrière chacune des formes apparemment innocentes.

D’une générosité exceptionnelle et d’une force qui ne l’est pas moins, l’exposition Takis à la galerie Xippas fête l’esprit inventeur de l’artiste en offrant un panorama excitant d’un oeuvre qui n’aura cessé de mettre en scène les forces cosmiques de nos équilibres fragiles.

La Galleria Continua du Marais présente une superbe exposition de Berlinde De Bruyckere dont on n’avait vu de présentation personnelle à Paris depuis des années. Un projet exceptionnel qui met à l’honneur cet oeuvre d’une viscérale beauté où l’organique, le minéral et le végétal entrent dans une danse macabre, pleine d’une sensualité duale, entre pulsion désirante et angoisse.

Poignant dans sa manière d’user du symbole et de la gravité des corps pour dépasser le tragique, le travail de Nikita Kadan impose à la galerie Poggi sa terrible méditation sur la violence et sa transfiguration par l’art.

Auteur d’un œuvre pictural majeur, habité d’émotion et de réflexion plastique, historique et sociétale, George Rouy poursuit une quête de la représentation par les ombres où les corps se défont et se recomposent dans une fusion charnelle qui défie les lois de la physique et les certitudes de la perception.

La galerie Loevenbruck consacre ses deux espaces de la rue Jacques-Callot à une exposition magistrale du duo Daniel Dewar & Grégory Gicquel, qui poursuit depuis plus de vingt ans une relecture obstinée du monde à travers la sculpture. Fragment après fragment, leurs œuvres recomposent une réalité nouvelle, à la fois familière et déconcertante, où les signes du quotidien se défont pour renaître autrement.

Tout au long de son parcours, l’exposition personnelle d’Isabelle Giovacchini, Plongées, fragments, répliques, porte ses images comme une respiration vibrant au rythme d’une double injonction visuelle et conceptuelle. Entre apparition et disparition l’artiste donne à voir l’émergence et le retrait comme deux faces d’un temps partagé.

Tantôt chaudement vêtues, tantôt absurdement dénudées, souvent lascives, parfois concentrées, les délirantes femmes de Monica Kim Garza, présentées à la galerie ruttkowski;68, font valser les codes de l’histoire de l’art (d’Eugène Leroy à Matisse, de Léger à Gauguin, de Picasso à Friedrich, pour n’en citer que quelques-uns) et de la représentation sociale, et usant du thème de la randonnée au cœur de cette présentation, illustrent un voyage accidenté, aussi accueillant que radical.

Samedi 3 octobre 2025. L’espace situé à l’embranchement des deux parties du Pont-Neuf et convergeant sur la statue d’Henri IV a été renommé : Place du Pont-Neuf — Christo et Jeanne-Claude. La nouvelle plaque dévoilée est apparue face à la Seine. Ainsi, Paris a fêté les 40 ans d’un évènement extraordinaire dans l’histoire de l’art contemporain, qui avait attiré les foules, toutes catégories confondues (travailleurs du quartier, intellectuels, riverains, passants, curieux, étrangers) : l’empaquetage du Pont-Neuf, pendant 15 jours, par le couple d’artistes, du 23 septembre au 6 octobre 1985.

Tantôt fuyants, tantôt fixes, les yeux des sujets du peintre Matthieu Palud semblent répondre aux dérives de son propre regard sur la peinture, aux bifurcations qu’elle emprunte. Les Bains-Douches d’Alençon présentent une exposition personnelle de l’artiste.

Présentée du 3 octobre au 30 novembre 2025 au sein de l’église Saint-Eustache, Liselor Perez, lauréate du Prix Rubis Mécénat 2025, déploie une série de présences fragmentées qui semblent surgir de la pierre elle-même et s’en émanciper.

Sosthène Baran (1990) rencontre peinture et sculpture après un parcours atypique, nourri de multiples expériences créatives dépassant le cadre des arts plastiques. Diplômé des Beaux-Arts de Caen en 2020, il développe une pratique singulière qui détourne les supports matériels pour y déployer un théâtre immobile et pourtant vibrant.